INSTRUMENTACIÓN

CEDART "Frida Kahlo"

Prof.: Daniel Espinosa Manrique

PARCIAL 2

Tarea 1

CUERDAS

Dentro de ésta se encuentran las cuerdas percutidas, las frotadas y las pulsadas.

Cuerda Percutida

Son aquellas que son golpeadas o percutidas con unos masillos para producir la vibración. Entre estos instrumentos se encuentran los siguientes:

Piano

Piano forte, es un instrumento con cuerdas de un alambre especial fabricado de acero al carbono templado.

Éstos materiales hacen que piano tenga gran volumen y una mejor calidad al hacer los matices.

Clavicordio

En este caso sus cuerdas son unas láminas de metal que son percutidas por pequeños martillos, lo que a diferencia del piano forte, éste posee menos potencia y menos capacidad de tener matices.

Címbalo Húngaro

También es conocido como Dulcimer.

Consiste en golpear cada una de las cuerdas con unos mazos. 

El dulcimer puede ser pequeño o de gran tamaño.

Cuerda Pulsada

Como su nombre lo dice, son aquellos instrumentos de cuerda que deben ser pulsados con las manos, uñas o pastillas. Entre éstos se encuentran el clavecín, el arpa, la guitarra, el bajo, el salterio y sus ancestros.

Clavecín

Salterio

Instrumento musical de cuerda compuesto por una caja de resonancia plana de forma generalmente trapezoidal a la que va unida una serie de cuerdas metálicas; se toca colocándolo en posición horizontal y pulsando las teclas con los dedos o con una púa.

Sin embargo hay distintos tipos de salterios que entran en los de cuerda percutida y los de cuerda frotada. A éste último le corresponde el salterio de arco.

Cuerda Frotada

Como su nombre lo indica, la cuerda debe ser frotada para producir el sonido. Dentro de ésta familia se encuentran los siguientes:

Cello

Salterio de Arco

Alientos (Instrumentos de Viento)

Los instrumentos de viento se dividen en dos: Maderas y Metales

Maderas

Son aquellos instrumentos que en una época anterior fueron hechos de madera, y que en la parte donde se emite el aliento tiene una lengüeta. La lengüeta es una lámina de caña o de metal fijada por una extremidad y que vibra por la otra debido al efecto del aire.  

Flautas

Metales

Se caracterizan por tener un tubo de metal que puede estar doblado o recto, una boquilla y una campana en el extremo opuesto a la boquilla. Éste diseño les permite tener más ataque en su envolvente. Dentro de esta familia están los siguientes:

Saxofón

Percusiones

Por último están las percusiones. En ésta familia entran muchos instrumentos, pero los principales que se utilizan en una orquesta son los siguientes:

Timbales Cromáticos 

Timbales Tonales

Bombo

Platillos



Marimbas

   

Celesta

Instrumento musical similar a un piano de pared, de tamaño algo menor, en el que los macillos producen el sonido golpeando unas láminas o barras metálicas colgadas sobre unos resonadores.

FUENTE

http://es.thefreedictionary.com/celesta
http://es.thefreedictionary.com/salterio
http://www.hispasonic.com/foros/comprar-primer-piano/447102/pagina2
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%ADmbalo_h%C3%BAngaro
http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/instrumentos/la-familia-de-las-cuerdas/

CONTRAPUNTO

Ejercicio de contrapunto in D minor.

Y el archivo MIDI para descargar

http://www.4shared.com/music/T2BCFOq8ba/Contrapunto_en_D_menor_el_real.html

ACORDES DE SÉPTIMA

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

ACORDES DE SÉPTIMA

 Los acordes de séptima funcionan como acordes de paso para cambiar de tonalidad unos cuantos compases (inflexiones), para cambiarla por frases o toda la obra (modulación), o simplemente para enriquecer la armonía.

 La característica principal de los acordes de séptima es que son cuatro notas diferentes que suenan simultáneamente. A la triada del acorde se le agrega el séptimo grado de la tonalidad (o una tercera ascendente de  la quinta del acorde). 

 Por lo general se utiliza como acorde de séptima el quinto grado de la tonalidad, o incluso se utiliza el quinto grado del quinto de la tonalidad, así es más fácil crear enlaces y cambiar la armonía con mejor naturalidad.

 Existen dos tipos de acordes de séptima, los de séptima mayor y los de séptima menor.

 La estructura de los acordes de séptima menor son contando diez semitonos de forma ascendente desde la tónica, o simplemente contando una tercera menor desde la quinta, por lo que su estructura es: 4, 3, 3 semitonos.

Y la estructura de los acordes de séptima mayor son contando once semitonos de manera ascendente desde la tónica, o bien, contando una tercera mayor desde la quinta, así que su estructura queda así:  4, 3, 4 semitonos.

Ahora, para cifrar un acorde de séptima depende de la estructura de la triada, ya que así cambia la distancia de los semitonos para la séptima.

 

Imagen tomada de: http://es.wikipedia.org/wiki/Cuatr%C3%ADada

El acorde de séptima mayor se cifra de las siguientes formas: 

Ejem. Cmaj7, Cma7, o como se muestra el primer acorde en la imagen, con la letra griega "Delta".

En ocasiones el acorde depende de cómo esté escrito el 7 , si tiene la línea pequeña de en medio que lo atraviesa quiere decir que contiene una séptima mayor, y si es un siete natural significa que es un acorde con séptima menor.

    

  A continuación se muestran unos tutoriales que explican gráficamente los acordes de séptima.

                               

                             

Por último para saberlo colocar en un ejercicio armónico, como se mencionó antes, se utiliza el quinto grado de la tonalidad. Para saberlo enlazar se utiliza el segundo o el cuarto grado de la tonalidad y se utiliza antes del acorde de séptima, se buscan las notas que coinciden y se realizan las inversiones necesarias.

Después de ubicar el acorde de séptima se concluye con el acorde principal, la tónica.
 Esta es una regla que se utiliza para realizar cadencias y poder concluir un paréntesis, semifrases, frases o incluso realizar una obra con esos acordes, aunque no es muy común encontrar ejercicios así. 

CANON

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

EL CANON

El canon es una forma de composición de carácter polifónico, en el que una voz interpreta una melodía, y es seguida, a distancia de cierto número de compases, por sucesivas voces que interpretan esa misma melodía, pudiendo estar dicha melodía escrita a un intervalo diferente, e incluso transformada.

A la primera voz se le llama proposta o antecedente, y a las voces que le siguen risposta o consecuente. Esta forma de imitación aportó un gran beneficio al estudio del contrapunto, y, consecuentemente, al desarrollo de las distintas formas musicales.

Aparecieron cánones por primera en vez en Alemania, Francia e Inglaterra allá por el S.XIII. En el S.XIV floreció el canon por medio de las obras de Machaut. Los compositores flamencos del S.XV ofrecieron cánones de gran complejidad. Es en el S.XVII, y posteriormente con la obra de Bach, donde el cánon desarrolla todo su poder creativo.

Ya en la era sinfónica y en el romanticismo, el cánon pierde su papel y pasa a segundo lugar. Sin embargo, es a principios del S.XX, con el neoclasicismo y el serialismo, donde recobra importancia y uso.

Existen varias formas de cánones, según se catalogue interválicamente, como:

* CANON AL UNÍSONO:  Se produce tal cual, sin transformaciones.

* CANON CIRCULAR O CANON INFINITO: Se trata de un canon para ser interpretado durante un tiempo definido. En este caso, acabará cuando se desee en uno de los calderones que marque un punto final.

* CANON A LA SEGUNDA: canon natural
* CANON A LA TERCERA: canon natural
* CANON A LA QUINTA: canon natural
* CANON A LA SEXTA: canon natural
* CANON A LA SÉPTIMA: canon natural
* CANON A LA OCTAVA: canon natural

* CANON POR MOVIMIENTO CONTRARIO: Se trata de realizar la imitación en sentido contrario hablando interválicamente.

* DOBLE CANON: Consiste en una combinación de dos voces canónicas y sus consecuentes en una pieza compuesta al menos para cuatro voces.

* CANON RETRÓGRADO O CANCRIZANTE: El canon se hace en sentido contrario, de derecha a izquierda.

* CANON EN ESPEJO: La imitación es en sentido simétrico de la voz principal. 

* CANON POR AUMENTACIÓN: Se trata de realizar la imitación aumentando el valor de las figuras en la voz principal.

* CANON POR DISMINUCIÓN: En este caso es contrario al canon por aumentación, el valor de las figuras de la voz principal disminuyen.

Grandes compositores, como Bach, Haydn, Mozart o Beethoven, han escrito cánones.

Bibliografía: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Simetrias.PNG

http://www.teoria.com/aprendizaje/formas/contrapunto/canon.php

http://www.csi-csif.es/andalucia/modules/mod_ense/revista/pdf/Numero_26/JOSE_MARIA_MARTINEZ_RUS_02.pdf

http://cpms-estilosyformas.blogspot.mx/2010/03/canon-por-aumentacion.html

MOTETE

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

Es una breve composición musical de carácter religioso.

Es una forma musical que forma parte de la música polifónica desde el S.XIII hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente.

En los siglos XIII y XIV, el motete se estructuraba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Sobre este cantus firmus, de línea melódica amplia y riguroso, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo.

Se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el esquema exacto del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus tomaba un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en Latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras.

Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo. Su evolución comienza desde las primeras obras de Perotín, como Palestrina, Orlando di Lasso y T.L de Victoria, hasta llegar a los compositores románticos.

Bibliografía: http://www.blogclasico.com/2008/03/motete-misa-en-la-musica-clasica.html

http://www.melomanos.com/academia/formas/motete.htm

FORMAS MUSICALES DEL ROMANTICISMO

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

 ROMANTICISMO

Fue un movimiento artístico y político iniciado a finales del siglo XVIII en Alemania con el fin de enfocarse al estudio del alma, de los sentimientos.
Surgió como consecuencia del racionalismo de la ilustración y el Neoclasicismo.

En la música hubo un encuadre a la música de cámara y los solistas. Los instrumentos más utilizados fueron el piano, el órgano y los cuartetos de cuerdas. En las voces se utilizó más la tesitura de tenor y las voces de los castrati entró en desuso. 

El precursor del Romanticismo fue Beethoven.

Dentro de las formas musicales surgieron las siguientes:

La sinfonía romántica: Aumenta sus dimensiones, así como el número de temas, cuyo carácter melódico dificulta su desarrollo. El ritmo armónico se vuelve más lento y la tonalidad pasa a ser más cromática y colorida. Se tiende a la ejecución sin pausa de los distintos movimientos (sobre todo del tercero al cuarto) y se concentra el material temático en éste último. Se introducen elementos ajenos al medio como son la voz y los coros. Se distinguen tres periodos: Dentro de un primer romanticismo sinfónico destacaríamos las 9 sinfonías de Beethoven, así como las sinfonías de Franz Schubert, Felix Mendelssohn y Robert Schumann.

En un segundo periodo podemos destacar las sinfonías de Johannes Brahms como representativas del renacimiento de la música absoluta después de 1860, y Antón Bruckner cuyas sinfonías destacan por sus grandes desarrollos.

El tercer periodo sería el vinculado con el sinfonismo posromántico de Gustav Mahler y Richard Strauss.

El concierto: El concierto sigue teniendo tres movimientos aunque se experimentará con la estructura en cuatro, así como con el enlace entre los mismos. Fueron muy apreciados los de piano y violín aunque prácticamente se compone para casi todos los instrumentos de la orquesta. El concierto favorece el virtuosismo del intérprete. Destacan los conciertos para piano de Beethoven, Schumann y Brahms y los conciertos para violín de Beethoven, Paganini, Mendelssohn y Saint-Saëns.

La música programática: se trata de música instrumental, con un “contenido extramusical”, que se comunica a través de un título o programa. Dicho contenido está basado en la experiencia vivida por parte de un compositor en la que se desarrollan acciones, situaciones, imágenes o ideas. Este programa estimula la fantasía del compositor y orienta al oyente hacia una determinada dirección. Lo opuesto a música programática es la música absoluta, es decir, aquella que no posee ideas extramusicales, no se apoya en un texto o en otras ideas secundarias.

Entre la música programática se cuentan:

La Sinfonía programática: pieza sinfónica para orquesta en varios movimientos, con un contenido extramusical. Destacan la Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz, la cual gira en torno a una vivencia amorosa del mismo compositor y la Sinfonía Nº 6 Pastoral de Beethoven.

El Poema sinfónico: es una obra orquestal en un solo movimiento y de estructura libre, cuyo desarrollo se basa en la existencia de un elemento literario previo. El compositor que más destacó con sus poemas sinfónicos fue Franz Liszt, quien compuso doce de estos poemas, entre ellos: Los preludios, Hamlet, Orfeo, Mazeppa, Años de peregrinación.

Nocturno: El nocturno es un término utilizado principalmente por John Field, Mendelssohn, Liszt y Frédéric Chopin en obras generalmente pianísticas, de carácter tranquilo y meditativo. Es de expresión patético-romántica y movimiento pausado que se acelera en la parte central de la obra.

Normalmente, adopta la forma Lied, o sea, el tipo ternario A-B-A tan frecuente e importante en el mundo de la Forma Musical, y estructura habitual dentro de las pequeñas formas románticas como el nocturno.

 Caso a destacar es el del compositor y pianista irlandés John Field, verdadero padre del nocturno.

 

Preludio: Los preludios pertenecen ha las pequeñas formas de composición músicales. Las grandes formas son la sonata,el concierto,la opera,la sinfonìa y el poema sinfonico.

Los preludios son relativamente cortos,pues son introducciones,un preludio es una preparación, para intruducirnos en algo.Sea una sinfonia una opera ETC. Y el posludio,es para finalizár; El preludio puede tener una sola parte,o puede componerce de dos pequeñas partes. Ha esto se les llama partes A, cuando es una parte, A Y B. cuando se hacen dos partes. Cuando una pieza tiene en su forma de composición tres partes, se le llama Rondó. Y es como sigue. A. B A. esto es por que se repite la primera parte.

La palabra rondò viene del Italiano,y quiere decir ronda , dar vueltas. 

Estudio: Es una pieza musical escrita para desempeñar una agilidad y/o destreza en la habilidad del ejecutante. Se originó en el romanticismo con Frédéric Chopin.

Lied: Viene del alemán que significa "Canción". Es una composición de carácter emocional y culta con una estructura precisa de 8 motivos, 8 semifrases y 8 frases.

Bibliografía: http://deuterus.com/PDF/10%20LA%20MUSICA%20INSTRUMENTAL%20EN%20EL%20ROMANTICISMO.pdf

http://www.melomanos.com/academia/formas/nocturno.htm

http://www.monografias.com/trabajos-pdf2/sabes-que-es-preludio/sabes-que-es-preludio.shtml#ixzz2uAujJriE

http://es.wikipedia.org/wiki/Estudio_(m%C3%BAsica)

CONTRAPUNTO

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

"No se puede considerar, en contrapunto, más que el contrapunto riguroso, conforme a las reglas respetadas por los Maestros de s. XVI. El estudio del contrapunto libre, o caprichoso, es vano."

 Como su nombre lo dice, significa punto contra punto, quiere decir que son melodías independientes relacionadas entre sí.

Los ejercicios

El austríaco Johann Joseph FUX (1660-1741) fue el primero en tener la idea de ejercicios fundados en valores de notas obligados. Después de él todos los grandes autores de tratados han retomado este principio. Su tratado de composición Gradus ad Parnassumen, fue publicado primeramente en latín (1725) y traducido al alemán, italiano, francés e inglés. 

Compositores como Mozart, Haydn, entre otros, trabajaron el contrapunto según los principios de Fux.

"El estudio del contrapunto de compondrá de ejercicios polimelódicos de dos a cinco voces. Aunque se pudiera extender el estudio a un mayor número de voces, esto puede ser considerado suficiente como preparación a la fuga y proporciona el oficio para escribir algo distinto a una fuga armónica. Contrariamente a la cita de Franco de Cologne, no se compondrá uno su propio canto dado (llamado a veces Cantus Firmus, abreviado C.F.), lo que tiene, al menos, la ventaja de acostumbrarse a trabajar sobre un elemento musical impuesto. A partir de esta melodía, siempre en redondas, se escribe sobre o bajo ella contrapuntos utilizando los valores obligados siguientes :

Primera especie : contrapunto en redondas

Segunda especie : contrapunto en blancas

Tercera especie : contrapunto en negras

Cuarta especie : contrapunto en síncopas de blancas

Quinta especie : contrapunto "florido" o de diferentes especies.

El florido es el fin último del contrapunto. Es una combinación horizontal idealmente equilibrada de las especies 2, 3 y 4. Se pueden escribir contrapuntos teniendo de una a cuatro voces 

floridas.Pequeñas mezclas : a partir de tres voces, dos especies escogidas entre las especies 2, 3 y 4. Gran mezcla : a cuatro voces, son presentadas las tres especies 2, 3 y 4. La gran mezcla es uno de los ejercicios más difíciles".

El Cantus Firmus

Se le llama así al canto dado (habitualmente por redondas) y al que añadiremos el contrapunto (melodía realizada) en la parte superior. Es un canto gregoriano con un ritmo dentro de un número de compases.

Bibliografía: 

http://docentes2.uacj.mx/nlopez/contrapunto_1/curso%20de%20contrapunto%20riguroso%20de%20michel%20baron.pdf

http://miguelangelmateu.com/varios/AP1-Contrapunto.pdf

http://analisisyteoriamusical.files.wordpress.com/2011/07/manual-de-contrapunto-severo.pdf