CANON

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

EL CANON

El canon es una forma de composición de carácter polifónico, en el que una voz interpreta una melodía, y es seguida, a distancia de cierto número de compases, por sucesivas voces que interpretan esa misma melodía, pudiendo estar dicha melodía escrita a un intervalo diferente, e incluso transformada.

A la primera voz se le llama proposta o antecedente, y a las voces que le siguen risposta o consecuente. Esta forma de imitación aportó un gran beneficio al estudio del contrapunto, y, consecuentemente, al desarrollo de las distintas formas musicales.

Aparecieron cánones por primera en vez en Alemania, Francia e Inglaterra allá por el S.XIII. En el S.XIV floreció el canon por medio de las obras de Machaut. Los compositores flamencos del S.XV ofrecieron cánones de gran complejidad. Es en el S.XVII, y posteriormente con la obra de Bach, donde el cánon desarrolla todo su poder creativo.

Ya en la era sinfónica y en el romanticismo, el cánon pierde su papel y pasa a segundo lugar. Sin embargo, es a principios del S.XX, con el neoclasicismo y el serialismo, donde recobra importancia y uso.

Existen varias formas de cánones, según se catalogue interválicamente, como:

* CANON AL UNÍSONO:  Se produce tal cual, sin transformaciones.

* CANON CIRCULAR O CANON INFINITO: Se trata de un canon para ser interpretado durante un tiempo definido. En este caso, acabará cuando se desee en uno de los calderones que marque un punto final.

* CANON A LA SEGUNDA: canon natural
* CANON A LA TERCERA: canon natural
* CANON A LA QUINTA: canon natural
* CANON A LA SEXTA: canon natural
* CANON A LA SÉPTIMA: canon natural
* CANON A LA OCTAVA: canon natural

* CANON POR MOVIMIENTO CONTRARIO: Se trata de realizar la imitación en sentido contrario hablando interválicamente.

* DOBLE CANON: Consiste en una combinación de dos voces canónicas y sus consecuentes en una pieza compuesta al menos para cuatro voces.

* CANON RETRÓGRADO O CANCRIZANTE: El canon se hace en sentido contrario, de derecha a izquierda.

* CANON EN ESPEJO: La imitación es en sentido simétrico de la voz principal. 

* CANON POR AUMENTACIÓN: Se trata de realizar la imitación aumentando el valor de las figuras en la voz principal.

* CANON POR DISMINUCIÓN: En este caso es contrario al canon por aumentación, el valor de las figuras de la voz principal disminuyen.

Grandes compositores, como Bach, Haydn, Mozart o Beethoven, han escrito cánones.

Bibliografía: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Simetrias.PNG

http://www.teoria.com/aprendizaje/formas/contrapunto/canon.php

http://www.csi-csif.es/andalucia/modules/mod_ense/revista/pdf/Numero_26/JOSE_MARIA_MARTINEZ_RUS_02.pdf

http://cpms-estilosyformas.blogspot.mx/2010/03/canon-por-aumentacion.html

MOTETE

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

PRIMER PARCIAL

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Prof.: DANIEL ESPINOSA 

2° B-1

Ciclo 2013-2014

Es una breve composición musical de carácter religioso.

Es una forma musical que forma parte de la música polifónica desde el S.XIII hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente.

En los siglos XIII y XIV, el motete se estructuraba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Sobre este cantus firmus, de línea melódica amplia y riguroso, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo.

Se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el esquema exacto del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus tomaba un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en Latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras.

Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo. Su evolución comienza desde las primeras obras de Perotín, como Palestrina, Orlando di Lasso y T.L de Victoria, hasta llegar a los compositores románticos.

Bibliografía: http://www.blogclasico.com/2008/03/motete-misa-en-la-musica-clasica.html

http://www.melomanos.com/academia/formas/motete.htm

FORMAS MUSICALES DEL ROMANTICISMO

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

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Ciclo 2013-2014

 ROMANTICISMO

Fue un movimiento artístico y político iniciado a finales del siglo XVIII en Alemania con el fin de enfocarse al estudio del alma, de los sentimientos.
Surgió como consecuencia del racionalismo de la ilustración y el Neoclasicismo.

En la música hubo un encuadre a la música de cámara y los solistas. Los instrumentos más utilizados fueron el piano, el órgano y los cuartetos de cuerdas. En las voces se utilizó más la tesitura de tenor y las voces de los castrati entró en desuso. 

El precursor del Romanticismo fue Beethoven.

Dentro de las formas musicales surgieron las siguientes:

La sinfonía romántica: Aumenta sus dimensiones, así como el número de temas, cuyo carácter melódico dificulta su desarrollo. El ritmo armónico se vuelve más lento y la tonalidad pasa a ser más cromática y colorida. Se tiende a la ejecución sin pausa de los distintos movimientos (sobre todo del tercero al cuarto) y se concentra el material temático en éste último. Se introducen elementos ajenos al medio como son la voz y los coros. Se distinguen tres periodos: Dentro de un primer romanticismo sinfónico destacaríamos las 9 sinfonías de Beethoven, así como las sinfonías de Franz Schubert, Felix Mendelssohn y Robert Schumann.

En un segundo periodo podemos destacar las sinfonías de Johannes Brahms como representativas del renacimiento de la música absoluta después de 1860, y Antón Bruckner cuyas sinfonías destacan por sus grandes desarrollos.

El tercer periodo sería el vinculado con el sinfonismo posromántico de Gustav Mahler y Richard Strauss.

El concierto: El concierto sigue teniendo tres movimientos aunque se experimentará con la estructura en cuatro, así como con el enlace entre los mismos. Fueron muy apreciados los de piano y violín aunque prácticamente se compone para casi todos los instrumentos de la orquesta. El concierto favorece el virtuosismo del intérprete. Destacan los conciertos para piano de Beethoven, Schumann y Brahms y los conciertos para violín de Beethoven, Paganini, Mendelssohn y Saint-Saëns.

La música programática: se trata de música instrumental, con un “contenido extramusical”, que se comunica a través de un título o programa. Dicho contenido está basado en la experiencia vivida por parte de un compositor en la que se desarrollan acciones, situaciones, imágenes o ideas. Este programa estimula la fantasía del compositor y orienta al oyente hacia una determinada dirección. Lo opuesto a música programática es la música absoluta, es decir, aquella que no posee ideas extramusicales, no se apoya en un texto o en otras ideas secundarias.

Entre la música programática se cuentan:

La Sinfonía programática: pieza sinfónica para orquesta en varios movimientos, con un contenido extramusical. Destacan la Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz, la cual gira en torno a una vivencia amorosa del mismo compositor y la Sinfonía Nº 6 Pastoral de Beethoven.

El Poema sinfónico: es una obra orquestal en un solo movimiento y de estructura libre, cuyo desarrollo se basa en la existencia de un elemento literario previo. El compositor que más destacó con sus poemas sinfónicos fue Franz Liszt, quien compuso doce de estos poemas, entre ellos: Los preludios, Hamlet, Orfeo, Mazeppa, Años de peregrinación.

Nocturno: El nocturno es un término utilizado principalmente por John Field, Mendelssohn, Liszt y Frédéric Chopin en obras generalmente pianísticas, de carácter tranquilo y meditativo. Es de expresión patético-romántica y movimiento pausado que se acelera en la parte central de la obra.

Normalmente, adopta la forma Lied, o sea, el tipo ternario A-B-A tan frecuente e importante en el mundo de la Forma Musical, y estructura habitual dentro de las pequeñas formas románticas como el nocturno.

 Caso a destacar es el del compositor y pianista irlandés John Field, verdadero padre del nocturno.

 

Preludio: Los preludios pertenecen ha las pequeñas formas de composición músicales. Las grandes formas son la sonata,el concierto,la opera,la sinfonìa y el poema sinfonico.

Los preludios son relativamente cortos,pues son introducciones,un preludio es una preparación, para intruducirnos en algo.Sea una sinfonia una opera ETC. Y el posludio,es para finalizár; El preludio puede tener una sola parte,o puede componerce de dos pequeñas partes. Ha esto se les llama partes A, cuando es una parte, A Y B. cuando se hacen dos partes. Cuando una pieza tiene en su forma de composición tres partes, se le llama Rondó. Y es como sigue. A. B A. esto es por que se repite la primera parte.

La palabra rondò viene del Italiano,y quiere decir ronda , dar vueltas. 

Estudio: Es una pieza musical escrita para desempeñar una agilidad y/o destreza en la habilidad del ejecutante. Se originó en el romanticismo con Frédéric Chopin.

Lied: Viene del alemán que significa "Canción". Es una composición de carácter emocional y culta con una estructura precisa de 8 motivos, 8 semifrases y 8 frases.

Bibliografía: http://deuterus.com/PDF/10%20LA%20MUSICA%20INSTRUMENTAL%20EN%20EL%20ROMANTICISMO.pdf

http://www.melomanos.com/academia/formas/nocturno.htm

http://www.monografias.com/trabajos-pdf2/sabes-que-es-preludio/sabes-que-es-preludio.shtml#ixzz2uAujJriE

http://es.wikipedia.org/wiki/Estudio_(m%C3%BAsica)

CONTRAPUNTO

CEDART "Frida Kahlo"

DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

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Ciclo 2013-2014

"No se puede considerar, en contrapunto, más que el contrapunto riguroso, conforme a las reglas respetadas por los Maestros de s. XVI. El estudio del contrapunto libre, o caprichoso, es vano."

 Como su nombre lo dice, significa punto contra punto, quiere decir que son melodías independientes relacionadas entre sí.

Los ejercicios

El austríaco Johann Joseph FUX (1660-1741) fue el primero en tener la idea de ejercicios fundados en valores de notas obligados. Después de él todos los grandes autores de tratados han retomado este principio. Su tratado de composición Gradus ad Parnassumen, fue publicado primeramente en latín (1725) y traducido al alemán, italiano, francés e inglés. 

Compositores como Mozart, Haydn, entre otros, trabajaron el contrapunto según los principios de Fux.

"El estudio del contrapunto de compondrá de ejercicios polimelódicos de dos a cinco voces. Aunque se pudiera extender el estudio a un mayor número de voces, esto puede ser considerado suficiente como preparación a la fuga y proporciona el oficio para escribir algo distinto a una fuga armónica. Contrariamente a la cita de Franco de Cologne, no se compondrá uno su propio canto dado (llamado a veces Cantus Firmus, abreviado C.F.), lo que tiene, al menos, la ventaja de acostumbrarse a trabajar sobre un elemento musical impuesto. A partir de esta melodía, siempre en redondas, se escribe sobre o bajo ella contrapuntos utilizando los valores obligados siguientes :

Primera especie : contrapunto en redondas

Segunda especie : contrapunto en blancas

Tercera especie : contrapunto en negras

Cuarta especie : contrapunto en síncopas de blancas

Quinta especie : contrapunto "florido" o de diferentes especies.

El florido es el fin último del contrapunto. Es una combinación horizontal idealmente equilibrada de las especies 2, 3 y 4. Se pueden escribir contrapuntos teniendo de una a cuatro voces 

floridas.Pequeñas mezclas : a partir de tres voces, dos especies escogidas entre las especies 2, 3 y 4. Gran mezcla : a cuatro voces, son presentadas las tres especies 2, 3 y 4. La gran mezcla es uno de los ejercicios más difíciles".

El Cantus Firmus

Se le llama así al canto dado (habitualmente por redondas) y al que añadiremos el contrapunto (melodía realizada) en la parte superior. Es un canto gregoriano con un ritmo dentro de un número de compases.

Bibliografía: 

http://docentes2.uacj.mx/nlopez/contrapunto_1/curso%20de%20contrapunto%20riguroso%20de%20michel%20baron.pdf

http://miguelangelmateu.com/varios/AP1-Contrapunto.pdf

http://analisisyteoriamusical.files.wordpress.com/2011/07/manual-de-contrapunto-severo.pdf

SONATA, TOCATA, CANTATA

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DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

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Ciclo 2013-2014

 

SONATA

Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco hasta las experiencias más rupturísticas de la música contemporánea.
La palabra suele tener significados sutilmente diferentes en cada época: principalmente en cuestiones formales.
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento es conocido como «forma sonata».

Movimientos o secciones

1. Allegro de sonata: el primer movimiento es un alegro complejo (en «forma sonata» propiamente dicha), dotado o no de una introducción lenta (especialmente en el clasicismo tardío o en el romanticismo, es decir, en el siglo XIX). Está formado por tres secciones: exposición, desarrollo y recapitulación. Puede tener una coda final.
   1. La exposición consiste de dos temas, el primer tema «A» esta en la tonalidad principal de la sonata y el segundo en una tonalidad vecina (para sonatas en tonos mayores por lo general al quinto grado y en tonos menores al tercer grado o relativa mayor). Entre el tema «A» y el «B» hay un puente sin mucha importancia melódica que modula de una tonalidad a la otra. Tras el tema «B» hay una coda de la exposición en la que se puede volver a la tónica inicial o mantenerse en la tónica secundaria propia del tema «B».
   2. El desarrollo tiene una estructura libre, pero podemos decir que el compositor toma alguno de los dos temas, ambos o partes de los mismos y los somete a innumerables procedimientos compositivos, jugando con ellos. Es el momento de mayor tensión de la obra en donde se producen más cambios armónicos y hay una cierta inestabilidad tonal.
   3. En ocasiones  deja a los oyentes una sensación de suspenso.
   4. La recapitulación o reexposicion sucede cuando el compositor vuelve a presentar los temas completos y ambos en la tonalidad principal. Era muy común que para finalizar el movimiento el compositor añadiera una coda, lo que tuvo una gran repercusión en el concierto dando origen a la cadencia.
2. Movimiento lento, andante, adagio o largo, que puede tener diversas formas como suite o lied. La forma de lied tiene tres partes, la primera y la tercera iguales entre sí o similares, es decir, la forma es A-B-A.
3. Movimiento en forma de danza, minuet y desde Beethoven en scherzo;
4. Un nuevo allegro, menos formalmente estructurado que el inicial allegro da sonata o puede tener otras formas como el rondo-sonata que es una combinación de la forma rondó con la forma sonata explicada para el primer movimiento.

Ejemplo de ello son las sonatas de Beethoven.

CANTATA
http://www.ecured.cu/index.php/Cantata

Cantata, en música, composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces.

En un principio el término significó únicamente una pieza para ser cantada y aparece por primera vez en 1620 de la mano de Alessandro Grandi (colaborador de Monteverdi). 

LA TOCATA
http://www.melomanos.com/academia/formas/tocata.htm

La tocata es una forma musical libre de carácter variable y pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en Italia, hacia el final del S.XVI. Los primeros autores de tocatas fueron A.Gabrieli y C.Merulo.
Se confunde de tal modo con el Preludio que, no solamente se empleaban ambos indistintamente como introducción a la Fuga, sino que también una misma composición ha recibido los dos significados.
La tocata varía desde las breves como la Toccata di I.Tono de Frescobaldi, hasta la monumental tocata que precede a la Fuga en Fa mayor para órgano de J.S.Bach.
Puede constar de varios tiempos de carácter diverso, ya sea de movimiento vivo y llena de virtuosismo, como de movimiento lento y expresión suave y apasionada. Por ejemplo, la Tocata II de A.Scarlatti posee cuatro tiempos. Las escritas para clave por Bach poseen varios movimientos y todas terminan con una Fuga. Compuesta así la Tocata, su forma se confunde con la Suite y la Sonata.

ADORNOS MUSICALES

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DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ

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SISTEMAS DE ORGANIZACIÓN MUSICAL

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http://musica.fakiro.com/diccionario/motivo.html

MOTIVO: Es un conjunto de notas que se repiten varias veces de forma consecutiva al paso de una pieza musical. La mayoría de las veces el motivo consiste en uno o dos compases.

Según su métrica, los motivos pueden ser de los siguientes tipos:

    • MOTIVO TÉTICO: el que empieza justo en el primer acento del motivo.

    • MOTIVO ANACRÚSICO: el que empieza antes del primer acento.

    • MOTIVO ACÉFALO: el que empieza después del primer acento.

MOTIVO ARMÓNICO:

1. La armonía de un motivo.

2. Elemento armónico con cierto sentido, equivalente al motivo melódico, que puede ser utilizado mediante las técnicas de construcción motívica que afectan a la armonía.

MOTIVO MELÓDICO: Sucesión de alturas de un motivo consideradas independientemente de su ritmo y de su armonía (ver triple análisis), para utilizarlas en la construcción melódica.

MOTIVO RÍTMICO: Extracción del elemento rítmico de un motivo para utilizarlo en la construcción melódica.


FRASE
http://mx.kalipedia.com/glosario/frase-musical.html?x=2500

Frase musical

Es un conjunto de sonidos que en una línea melódica forman un grupo con sentido completo. Hay muchas clases de frase, pero uno de las más utilizadas por los músicos es la frase de ocho compases dividida en dos semifrases de cuatro compases cada una. A su vez, cada semifrase se compone de uno o dos motivos. El motivo es el elemento melódico vaiable que da origen a la melodía. Este modelo es tan común que se conoce con el nombre de frase cuadrada o frase-tipo. La duración de las frases puede alterarse con diferentes técnicas compositivas, como la reducción o la ampliación. Normalmente, la frase musical finaliza con una cadencia o un reposo. En ocasiones, las frases se representan gráficamente con una gran ligadura que abarca un grupo de notas y compases.

SEMIFRASE
http://musica.fakiro.com/diccionario/semifrase.html

Es parte de las divisiones primarias (más importantes) de la frase. El número de semifrases se aproxima normalmente entre 2 y 4 para cada frase.
Se le pueden denominar binaria o ternarias conforme al número de semifrases.
 

http://it.wikipedia.org/wiki/Periodo_%28musica%29

PERIODO

El período es una subdivisión de la pieza musical. Se compone normalmente de dos o tres frases musicales de 8 caracteres cada una, respectivamente llama antecedente y consecuente, y termina con una cadencia. El período con dos frases se llama binaria, ternaria uno a tres. [1]

El período musical de 2 frases se compone generalmente de 8 o 16 bares. En el primer caso consiste en dos frases de cuatro compases, en la segunda de las dos frases de 8 compases, por ejemplo, en la melodía de la alegría de Beethoven, el período está constituido por 8 golpes, compuestas de dos frases musicales de 4 tiempos cada uno. En el período de la primera frase musical tiene movimiento de carácter, mientras que la segunda respuesta. Esta característica se acentúa cuando la primera frase termina con la cadencia (grado V) y la segunda con la cadencia perfecta.


ADORNOS MUSICALES
http://www.aprende-gratis.com/teoria-musical/curso.php?lec=adornos-musicales

Los adornos musicales se pueden representar por medio de pequeños signos que se colocan antes o a continuación de la nota principal. También hay otra serie de signos para hacer adornos.
Para denominarlas con su nombre formal se les denomina ornamentaciones.

LA APOYADURA
Estas apoyaduras pueden ser la breve y la doble; la breve se escribe con una sola nota y tachada, mientras la doble con dos semicorcheas, que son también pequeñas. Este efecto se undica pues con pequeñas notas antes de la principal, colocándose un grado abajo o arriba de la nota a la que afecta.

MORDETE

Este adorno, el mordete, es muy parecido a la apoyadura; aunque en este caso los grados de las notas musicales son conjuntos. El mordete es inferior cuando la nota que se utiliza es ascendente.
Por lo general se usa para instrumentos de cuerda, su nombre es mordete porque da la sensación de que se muerde la cuerda.

TRINO
La repetición de dos notas de forma rápida y alternada es lo que conocemos como adorno de trino. Para que sea trino, las dos notas tienen que estar a intervalo de un tono o medio tono. El símbolo que representa este adorno son las letras "tr".

En este caso se utilizaron fusas para entender la definición de trino, pero también se usa en los acordes conjuntos y armónicos.

NOTAS DE PASO

http://musicouniversal.blogspot.mx/2009/04/bordadura.html

Son las notas que se encuentran a la mitad del compás. Por lo general se les considera notas débiles o en sí en los tiempos débiles de un compás. Pueden ser grados conjuntos o discontinuos.

BORDADURAS

Es un adorno que se produce por grado conjunto. Hay dos tipos de bordaduras: Bordadura inferior y Bordadura superior. Se le considera la nota "extraña al acorde" e igual que la nota de paso se encuentra en la parte débil del compás.

 

RETARDOS

http://www.teoria.com/aprendizaje/funciones/retardo.php

El retardo es un sonido del acorde anterior que se prolonga al siguiente acorde formando una disonancia antes de resolve.

A comparación de los anteriores los retardos son la parte fuerte del compás.

ANTICIPACIÓN

http://musica.fakiro.com/diccionario/anticipacion.html

Es la nota de adorno que es nota real en el acorde inmediatamente posterior. La anticipación puede no figurar en el acorde posterior.

La anticipación se sitúa en parte débil con respecto al acorde al que antecede.

 SUSPENSIÓN

http://es.wikipedia.org/wiki/Suspensi%C3%B3n_%28m%C3%BAsica%29

Suspensión o retardo descendente es una nota que, perteneciendo al acorde anterior, ocupa el lugar de una nota del acorde con el que suena, dirigiéndose después por movimiento de grados conjuntos hacia la nota que había desplazado.